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Die Entstehung und Bedeutung der Art Brut

Seit ihrer Entstehung in den frühen 1970er Jahren ist die Art Brut vom Rand der Gesellschaft in die Mainstream-Kultur vorgedrungen. Dabei hat sie jedoch stets ihre rohe, impulsive Haltung beibehalten.

Was ist die Art Brut?

Art Brut oder Outsider Art (vor allem im englischen Sprachgebrauch) ist der vom französischen Künstler Jean Dubuffet geprägte Begriff für autodidaktische Künstler, die ihre Erfahrungen außerhalb der engen Grenzen der Gesellschaft und der akademischen Traditionen präsentieren.

Die Werke, die von psychiatrischen Patienten, Häftlingen und Ausgestoßenen geschaffen wurden, veranschaulichen deren zerbrechliche Geisteszustände und unorthodoxe Perspektiven auf die Welt.

Die Aufgabe der Tradition

Im Einklang mit dem avantgardistischen Geist des 20. Jahrhunderts ist ein zentrales Thema der Art Brut die kollektive Ablehnung der Werte der Gesellschaft.

Die Werke werden nach den Instinkten dieser autodidaktischen Künstler geschaffen, ohne sich an einen bestimmten Stil oder eine vorhergehende Bewegung anzupassen. Dies unterscheidet sie von naiven Künstlern, die sich von bestehenden Bewegungen inspirieren ließen.

Das Ergebnis? Unverfälschte, emotionale Kunstwerke, die für jeden einzelnen Künstler einzigartig sind.

Der Ursprung der Art Brut

Dubuffet war selbst ein Studienabbrecher und sein Werk wird oft als Teil der Bewegung angesehen. Da er die Werte der Ausgestoßenen der Gesellschaft teilt und mit dem Wunsch, psychische Krankheiten zu entstigmatisieren, prägte er den Begriff Art Brut, um ihre Kunstwerke zu legitimieren.

Ein Einstieg in den Mainstream

Jean Dubuffet begann Mitte der 1940er Jahre mit dem Kuratieren von Werken. Später eröffnete er 1976 in Lausanne die Collection de l’art brut für die Öffentlichkeit. Seitdem haben andere Institutionen wie La Maison Rouge und das Musée des arts décoratifs in Paris die Arbeiten marginalisierter Künstler mit weiteren Ausstellungen aufgegriffen.

Obwohl die Künstler kein Interesse an der öffentlichen Meinung haben, bringen Ausstellungen wie diese ihre unkonventionellen Werke in die Mainstream-Kultur.

Bahnbrechende Künstler

Ein wichtiger Künstler der Art Brut ist Adolf Wölfi, der nach einer unruhigen Kindheit zwei Jahre im Gefängnis saß und anschließend als schizophren diagnostiziert wurde. Zu den anderen gehören Aloïse Corbaz, Augustin Lesage und Alfonso Ossorio.

Ihre Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen sind zwar stilistisch unterschiedlich, doch haben sie die Freiheit der Form, die üppige Verwendung von Farbe und eine kindliche Qualität gemeinsam.

Kontroverse

Angesichts seiner unkonventionellen Wurzeln ist es nicht überraschend, dass Art Brut oft Anlass für Diskussionen war. Das liegt an den schockierenden Themen, die Künstlerinnen und Künstler darstellen, wie zum Beispiel Gewalt oder die Sexualisierung von Minderjährigen.

Dennoch erfahren sie nicht die gleiche Aufmerksamkeit wie konventionelle Künstler, da die Werke ursprünglich nicht für die Öffentlichkeit geschaffen wurden. Stattdessen sind sie schlicht impulsive Reaktionen auf erlebte Erfahrungen.

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10 spannende Fakten über den Salvador Dalí, den Meister des Surrealismus

Salvador Dalí ist zweifelsohne der symbolträchtigste Künstler des Surrealismus. Als Maler, Bildhauer, Drehbuchautor und Schriftsteller beschäftigte sich das spanische Unikat mit einer Vielzahl von Themen, darunter Träume, Sexualität, Gala (seine Frau) und Religion. Trotz seines berühmten künstlerischen Status im 20. Jahrhundert wurde Dalís alternativer und komplexer Charakter von seinen Zeitgenossen häufig nicht anerkannt. Wir haben beschlossen, die Macken des surrealistischen Meisters zu feiern und dir 10 Dinge zu präsentieren, die du über den Künstler wissen musst.

Er wurde zweimal von der Kunstschule verwiesen

Dalís rebellischer Charakter führte dazu, dass er zweimal von der Real Academia de Bellas Artes de San Fernando in Madrid verwiesen wurde. Die Ausschlüsse erfolgten nach Dalís Teilnahme an Studentendemonstrationen, weshalb der rebellische Maler nie seinen Abschluss machte. Laut seiner Biografie waren Dalís Exmatrikulationen jedoch darauf zurückzuführen, dass er nicht an den mündlichen Prüfungen teilnehmen wollte. Der Künstler behauptete, er sei klüger als die drei Dozenten, weshalb er sich weigere, von ihnen befragt zu werden, da er das Thema viel besser kenne.

Wie seine Kunst war auch seine Ehe seltsam und intensiv

Als Dalí seine Frau, Elena Ivanovna Diakonova, bekannt als Gala, kennenlernte, war sie noch mit dem surrealistischen Dichter Paul Éluard verheiratet. Die beiden trafen sich im Schloss des Dichters in Cadaques, verliebten sich wahnsinnig und begannen eine turbulente und heimliche Liebesbeziehung. In einer seltsamen Schicksalswende billigte Éluard jedoch ihre Beziehung und ließ sich schnell von Gala scheiden. Nach ihrer Heirat im Jahr 1934 blieb ihre Beziehung intellektuell, kultiviert und äußerst intensiv. Sogar in dem Maße, dass Dalí Gala ihr eigenes Schloss in Katalonien anbot.

Er baute sein eigenes Museum

Foto: Kristina D.C. Hoeppner / Flickr

Im Jahr 1960 spendete der Bürgermeister von Dalís Heimatstadt Figueres eine beträchtliche Summe für die Stadt und ihre Kultur. Figueres hatte nach dem spanischen Bürgerkrieg stark gelitten, und auch Dalí fühlte sich inspiriert, das kulturelle Erbe der Stadt wiederherzustellen.

Mit Dalís Spende wurde das Stadttheater von Figueres wieder aufgebaut, das später in “Teatre-Museu Dalí” umbenannt wurde. Das Museum wurde nicht nur von dem Künstler umfassend gestaltet, sondern es wurde auch zu seinem Zuhause und ist bis heute seine letzte Ruhestätte.

Salvador Dalí arbeitete mit einigen der größten Filmregisseuren zusammen

Sowohl Walt Disney als auch Alfred Hitchcock wandten sich an Salvador Dalí, um ihn einzuladen, seinen Beitrag zur Welt des Filmschaffens zu leisten. Hitchcock nutzte Dalís einzigartige und exzentrische Vision für die Fortsetzung seines Films “Spellbound”, während Walt Disney 22 von Dalís Ölgemälden für seinen Film “Destino” in Auftrag gab.

Aufgrund finanzieller Schwierigkeiten wurde Destino jedoch eingestellt und schließlich vergessen. Im Jahr 2003 startete Walt Disneys Neffe das Projekt erneut, was zu einem 6-minütigen Video führte, in dem Dalís verbleibende Skizzen gezeigt wurden.

Die anderen Surrealisten wollten nichts mit ihm zu tun haben

Obwohl Dalí sicherlich eine zentrale Figur des Surrealismus war, versuchten seine Zeitgenossen, ihn aus der Bewegung zu vertreiben.

Da die Surrealisten überwiegend aus Kommunisten bestanden, waren sie mit Dalís Schwärmerei für Hitler und sein faschistisches Regime nicht einverstanden. Der Vater des Surrealismus, André Breton, ging sogar so weit, Dalí wegen seiner “Verherrlichung des Hitler-Faschismus” aus der Gruppe zu verbannen.

Sein Schnurrbart blieb 27 Jahre nach seinem Tod erhalten

Foto: Allan Warren / CC BY SA 3.0

Dalís Schnurrbart war zweifelsohne ein großer Teil seines Images, und er veröffentlichte sogar ein Buchband über seinen Schnurrbart, das 28 Bilder seines Oberlippenbegleiters enthält.

Im Jahr 2017 untersuchten Gerichtsmediziner die Leiche des Surrealisten und stellten fest, dass der Schnurrbart des Künstlers seit seinem Tod im Jahr 1989 sein Aussehen beibehalten hatte.

Er versuchte sich selbst in einen Zustand der Paranoia zu versetzen

Dalí entwickelte die “paranoisch-kritische Methode”, eine surrealistische Technik, die die Schaffung von Kunstwerken mit optischen Täuschungen einschließt.

Ohne Drogen oder Alkohol griff Dalí auf sein Unterbewusstsein zu, indem er Objekte anstarrte und sie sich als etwas anderes vorstellte, was ihn in einen Zustand des Deliriums versetzte.

Er versuchte auch, sich selbst in einem Zustand der Hypnagogie zu halten, dem Übergangszustand zwischen Wachheit und Schlaf. Dalí tat dies mit einem Löffel und einer Schüssel. Er legte einen Löffel in die Hand und eine Schüssel zwischen die Oberschenkel. Wenn er einschlief, fiel der Löffel in die Schüssel und weckte ihn auf, so dass er in einem vorübergehenden Wachzustand blieb.

Seine Werke wurden für die Werbung verwendet

Dalís Kunst ist nicht nur in Museen zu finden, sondern auch in der Werbung. Sein kommerzielles Portfolio umfasst vier Vogue-Cover und Kampagnen für verschiedene Marken. Dalí war auch für das Chupa Chups Logo verantwortlich, das noch heute zu sehen ist.

Salvador Dalí bezahlte sein Essen mit Kunst

Auch wenn es vielleicht äußerst spärlich klingt, war Dalís einzigartige Zahlungsmethode in Wirklichkeit äußerst großzügig. Am Ende jeder Mahlzeit bot er an, mit einem Scheck zu bezahlen, der auf der Rückseite eine Originalskizze von ihm trug.

Der Künstler wusste, dass der Scheck niemals eingelöst werden würde, da seine Zeichnungen so viel mehr wert waren.

Er versuchte sich sogar in der Welt der Mode

Dalí begann seine Reise in die Welt der Mode durch die Zusammenarbeit mit der italienischen Modedesignerin Elsa Schiaparelli und schuf Kleidung, die von seinen Werken inspiriert war.

Dann lancierte er seine eigene Linie von Damenbademode für die Marke Jack A. Winter, bevor er mit dem Modemagnaten Christian Dior zusammenarbeitete. Aus Dalís Arbeit mit Dior entstanden einige sehr eigentümliche Modeaccessoires, darunter ein Gürtel in Mundform.

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10 Fakten über Vincent van Gogh, die du noch nicht kanntest

Vincent van Gogh wurde am 30. März 1853 in Zundert in den Niederlanden geboren. Vincent war ein holländischer post-impressionistischer Maler, der, obwohl er in seinem kurzen Leben unentdeckt und ungewürdigt blieb, heute als eine der berühmtesten und einflussreichsten künstlerischen Figuren in der westlichen Kunstgeschichte gilt. Vielleicht auch eine der traurigsten Figuren der Kunstgeschichte. Van Gogh nahm sich im Alter von 37 Jahren nach vielen Jahren der Armut und psychischen Probleme das Leben. Doch in diesem Artikel soll es um 15 Dinge gehen, die du wahrscheinlich noch nicht über Vincent van Gogh wusstest.

1. Es gab tatsächlich vier Vincent van Gogh

Die Wahrheit ist, dass der niederländische Künstler nach einem älteren Bruder benannt wurde, der auf tragische Weise tot geboren wurde. Dieser verlorene Bruder wiederum wurde nach dem Großvater benannt, der ebenfalls Vincent van Gogh hieß. Der Name ging in der Familie weiter, als einer von Vincents Brüdern, Theo, Vater eines Sohnes wurde und ihn ebenfalls Vincent nannte. Van Gogh ist bis heute ein gewöhnlicher niederländischer Nachname.

2. Er litt wahrscheinlich an mehreren psychischen Erkrankungen

Wir alle kennen Van Gogh als Symbol der Traurigkeit und des gequälten Künstler-Archetyp, doch seine Probleme gingen viel tiefer als nur die übliche Depression. Bei der Untersuchung seines Lebens und seines Zustands haben moderne Psychiater festgestellt, dass van Gogh wahrscheinlich an einer Vielzahl von Erkrankungen litt, darunter Schizophrenie, Syphilis, manische Depression, Schläfenlappen-Epilepsie und das Geschwind-Syndrom. Viele glaubten auch, dass van Gogh Autist war. Mehrere Familienberichte haben gezeigt, dass er ein unkommunikatives und unbeholfenes Kind war. Es ist nur schade, dass ein solch geniales Talent und ein solcher Verstand in einer Zeit existieren mussten, in der es wenig Hilfe für seine Leiden gab.

3. Er begann er erst im Alter von 27 Jahren, sich auf die Malerei zu konzentrieren

Das Werk van Goghs ist ein Beispiel für uns alle, die denken, es könnte zu spät sein, den eigenen Träumen zu folgen. Van Gogh brachte erst im Alter von 27 Jahren Bleistift und Farbe zu Papier. Als er nach einer Reihe von gescheiterten und vielfältigen Karriereversuchen aus dem Haus seiner Familie geworfen wurde, verließ er sich auf die Worte seines Bruders Theo. Sein Bruder, der dafür verantwortlich war, Vincent im Laufe des nächsten Jahrzehnts finanziell zu überleben.

4. Vincent van Gogh lebte er mit einer Prostituierten zusammen und liebte sie

Van Gogh war in seinem Leben bekanntlich tief und lange Zeit verliebt, unter anderem in eine verwitwete Cousine und eine Frau aus der Oberschicht namens Eugenia, die bekanntermaßen desinteressiert war. Die Liebe seines Lebens war jedoch eine niederländische Prostituierte namens Sien, mit der er einige Zeit zusammenlebte. Van Gogh kümmerte sich nicht nur um Sien, sondern auch um ihr Baby und half, das Kind aufzuziehen, obwohl es nicht sein eigenes war. Sien ist auf vielen von van Goghs gezeichneten Porträts zu sehen, aber es ist bekannt, dass diese Liebesaffäre einen Keil zwischen Vincent und den Rest seiner Familie trieb. Nach einiger Überredung seines Bruders Theo verließ Vincent Den Haag und zog davon.

5. Sein Porträt von Dr. Gachet wurde für 82,5 Millionen Dollar versteigert

Neben den Sonnenblumen und der Sternnenacht ist Van Goghs Porträt von Dr. Gachet zweifellos das am meisten bewunderte Werk des Künstlers in seinem charakteristischen Stil. Das Gemälde in Öl auf Leinwand stellt Dr. Paul Gachet dar, den Mann, der sich in den letzten Monaten seines Lebens um Vincent gekümmert hat. Interessanterweise gibt es zwei authentische Versionen dieses Porträts, die beide im Juni 1890 gemalt wurden.

Im Jahr 1990 wurde die erste Version des Porträts von Dr. Gachet in einem Auktionshaus in New York für einen Rekordpreis von 82,5 Millionen Dollar verkauft. Das sind 151,2 Millionen heutzutage, was es zum 13. teuersten Kunstwerk macht, das je versteigert wurde.

6. Er war ein produktiver Künstler während einer Laufbahn, die etwas mehr als ein Jahrzehnt dauerte

Van Gogh schuf etwa 2100 Kunstwerke. Diese Sammlung umfasste 860 Ölgemälde und viele Skizzenzeichnungen. Der Großteil seiner Arbeiten wurde in Frankreich vollendet, wo er einen Großteil seines Lebens verbrachte, einschließlich der letzten beiden Jahre. Zu den Gemälden gehörten Landschaftsstilleben, Selbstporträts und Porträts von anderen. Mathematisch betrachtet, entspricht Van Goghs 2100 Kunstwerke über 10 Jahre hinweg vier Stücken pro Woche.

8. Seine Zeit in Paris machte ihn zu einem Meister

Ein von Kritikern oft vertretener Standpunkt ist, dass van Gogh dank seiner zweijährigen Zeit in Paris zu einem wahren künstlerischen Meister wurde. Während van Goghs frühere Gemälde eher düster aussehen, sind die zwischen 1886 und 1888 entstandenen Werke voller Farbe und im unverwechselbaren Impasto-Stil mit Ölfarben gemalt. Van Gogh teilte sich zu dieser Zeit eine Wohnung mit seinem Bruder Theo.

9. Die Sonnenblumen haben mit ihrem Verkaufspreis Kunstgeschichte geschrieben

Obwohl sie bei den Preisen, die die berühmtesten Kunstwerke heute erzielen, 62 Millionen Dollar ein Klacks sind. Als die Version mit 15 Sonnenblumen im Jahr 1987 verkauft wurde, bedeutete dies eine neue Richtung im Verkauf und Sammeln der Kunst. Dies war der höchste Preis, der für ein Gemälde bezahlt wurde, das kein alter Meister war und den bisherigen Rekord verdreifachte.

Nummer acht: Vier der 30 teuersten Gemälde der Geschichte stammen von van Gogh. Die vier Gemälde von van Gogh mit den höchsten Preisen sind

  • Porträt von Dr. Gachet 1990 für $82,5 Mio.
  • Porträt von Joseph Ruhlin, 1989 für $58 Mio. + Tausch von Werken
  • Schwerlilien, 1987 für $53,9 Mio.
  • Sebstporträt ohne Bart, 1998 für $71,5 Mio

10. Er war er der erste Selfie-Meister

Obwohl Selfies als ein junges Phänomen angesehen werden, gibt es gute Gründe, van Gogh als den ersten Selfie-Meister in einem Zeitraum von drei Jahren während seiner zehnjährigen Kunstkarriere zu betrachten. Damals schuf er insgesamt 43 Selbstporträts.

Einige Kunstkritiker haben diese aufeinanderfolgenden Selbstporträts als malerische Übung verstanden. Andere argumentieren, dass aufgrund van Goghs extremer Armut und seiner schlechten finanziellen Lage sein Selbstporträts stets eines der Sujets war, das er immer frei interpretieren konnte, ohne ein Modell bezahlen oder Requisiten kaufen zu müssen.

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Eine Kurzbiografie von Gustav Klimt

Gustav Klimt war ein Meister der auffälligen Muster und der metallischen Farbe. Klimts Vater war ein Goldgraveur in Wien, der seinem Sohn beibrachte, wie man mit Gold arbeitet.

Klimt erhielt ein Stipendium für die Kunstschule. Nachdem er sein Studium beendete, begannen er und sein Bruder ein kleines Gewerbe und malten Wandmalereien an Wänden und Decken für Villen, Theater und Universitäten. Klimt wechselte von der Wandmalerei zur Malerei auf Leinwand. Er ließ sich von den byzantinischen Mosaiken aus dem Mittelalter inspirieren, bei denen viele winzige Scherben aus farbigem Glas, glänzenden Steinen, sowie Gold und Silber zur Herstellung von Bildern und Mustern verwendet wurden. Klimt benutzte in seiner Kunst viel Gold und metallische Farbe, was man als seine goldene Phase bezeichnete.

Klimt gehörte zu einer Gruppe von Künstlern in Wien, die der realistischen Kunst, die seit Hunderten von Jahren gemacht wurde, überdrüssig waren. Sie glaubten, dass Kunst überall sei und dass dekorative Kunst genauso wichtig sei wie die höheren bildenden Künste. Sie wollten, dass ihre Kunst etwas symbolisieren sollte, das über das hinausgeht, was auf der Leinwand erschien. Sie wollten helle Farben verwenden. Sie wollten wirbelnde, fließende Linien verwenden, was in ihrer Version des Jugendstils gipfelte.

Das nachfolgende Gemälde trägt den Titel “Der Kuss”.

Es wurde 1907 bis 1908 in Öl auf Leinwand mit goldenen Silberblättern gemalt. Dieses Gemälde eines Mannes und einer Frau ist voller Emotionen. Der Mann küsst die Wange der Frau, als wäre es ihr letzter Kuss oder vielleicht ihr erster. Der Schwerpunkt liegt auf ihren Gesichtern. Alles andere ist ein Strudel an Mustern. Sie erscheinen getrennt und doch vereint in dieser engen Umarmung.

Im Laufe der Zeit hat Klimt vor allem über einige der wichtigsten Fragen des Lebens gemalt, wie zum Beispiel die Liebe zwischen Mann und Frau, den Lebenslauf von der Kindheit bis ins hohe Alter und das Thema von Krankheit und Tod. Klims Schwester starb, als er erst 12 Jahre alt war, sein Vater und sein Bruder starben, als er 30 Jahre alt war. Seine Mutter und seine anderen Schwestern rutschten als Folge in Depressionen und Trauer ab. Sein eigener Sohn starb ebenfalls im Alter von wenigen Monaten. Vielleicht sind diese Gefühle des Lebens und des Todes in Gustav Klimt so stark, dass sie sich beim Malen in eindrucksvolle Bilder übersetzen lassen. Eines davon ist der Lebensbaum.

In den frühen Mythologien und in vielen Kulturen steht der Baum des Lebens für die Verbindung zwischen Himmel und Erde und der Unterwelt. Eine der wichtigsten Eigenschaften des Lebensbaums ist, dass er den Betrachter dazu herausfordert, mehr Zeit damit zu verbringen, das üppige Gemälde zu bewundern oder zu versuchen, alle seine symbolischen Bedeutungen zu entschlüsseln. In diesem Gemälde verwendete Klimt viele kostbare Materialien wie Gold als Farbe und andere luxuriöse Techniken, um eine magische Welt zu illustrieren. Die Anwesenheit eines einzelnen schwarzen Vogels zieht den Betrachter zu einem zentralen Teil des Gemäldes. Der Rabe erinnert daran, dass alles, was einen Anfang hat, auch ein Ende hat, da der Vogel von vielen Kulturen als Symbol des Todes verwendet wurde. Der Lebensbaum von Gustav Klimt gehört zu den Gemälden mit dem höchsten Wiedererkennungswer aus Gustav Klimts malerischer Laufbahn.